Kurt Laurenz Theinert: Ich mag die Anstrengung

Mein Verständnis von Licht wurzelt in der Fotografie _ entwerfen, aufnehmen und entwickeln _ alle Prozesse sind lichtbezogen und sie lehrten mich die Grenzen, die Bedürfnisse und Möglichkeiten des Visuellen. Je tiefer mein Verständnis wuchs, desto mehr wollte ich diese Erfahrung – den Prozess des Erscheinens und Verschwindens oder des „Happenings“ – mit anderen teilen, natürlich mit Künstler_innen und Kurator_innen, aber auch mit einem aufmerksamen Publikum. Vor etwa acht Jahren begann ich eine Reihe von Auftritten, die mich um die ganze Welt führten.

Mit konzeptioneller und technischer Unterstützung entwickelte ich das „Visual Piano“, ein Instrument, das es mir erlaubt, mit Licht, Form und Farbe in Raum und Zeit zu spielen. Die Idee war nicht neu, es gibt eine große Tradition des Farb- und Klangspiels. Ich weiß nicht, wie weit wir das in der Geschichte zurückverfolgen können, aber ich war inspiriert von den frühen Ideen, die im 16. Jahrhundert entwickelt wurden oder als ich von dem französischen Mönch Louis Bertrand Castel im 18. Jahrhundert hörte, der die Idee eines „Clavecin pour les Yeux“ vorschlug. In den 1920er Jahren prägte der gebürtige Däne Thomas Wilfred das Wort „lumia“, um dies als den künstlerischen Ausdruck mit Licht zu beschreiben. Er entwickelte eine Reihe von Instrumenten und mit den späteren konnte er sogar farbige Bilder projizieren, und nicht nur farbige Lichtfelder wie bei seinen früheren Instrumenten.

In Deutschland wurden von Ende der 1920er bis Anfang der 1930er Jahre mehrere Farborgeln auf einer Reihe von Color Music Kongressen vorgeführt. Ludwig Hirschfeld-Mack spielte sein „Farbenlichtspiel“ auf einer Farborgel, die er gemeinsam mit Kurt Schwerdtfeger an der Weimarer Bauhausschule entwickelt hatte. Betrachtet man die vielen Versionen von Farborgeln, so erkennt man, dass ich nicht der einzige war, sondern dass es im Laufe der Jahrhunderte ein breites künstlerisches Interesse gab, die Ästhetik der Frequenzen von Licht und Klang zu erforschen. Mein Visual Piano ist eine Version, die auf digitalen Steuerungen basiert und immer noch einzigartig auf der Welt ist.

Spielen ist für mich ein ganzer abstrakter Prozess, es gibt kein konzeptuelles Denken, keine Leitidee und keine Bedeutung, ich will nur die Dynamik und Ästhetik der Vernetzung von Licht, Raum, Zeit, Musik und mir erforschen. Es ist immer ein Versuch, einen Raum zu verstehen, den ich brauche, um die perfekte Anordnung zu finden – seine Oberflächen, seine Verhältnisse, sein Echo und seine Frequenzen. Ich genieße diese Zeit der Annäherung, weil ich einen Raum mit seinen sichtbaren und unsichtbaren Eigenschaften entdecke. Es wird Partner und Gegenstück zugleich, weil alles, was ich tue, durch den Raum verändert wird _ das projizierte Licht wird durch eine Wand gestoppt, die Formen werden durch die umgebende Architektur reformiert und die projizierten Farben vermischen sich mit den Körperfarben der Projektionsfläche. Alle diese Aspekte sind mein Orchester, und wo immer ich hingehe, hat jede Verbindung ihre eigene Konstitution. Die von mir erzeugten Farben und Formen sind nicht voreingestellt, ich entwickle sie vor Ort und kann sie verändern, wenn ich neue Möglichkeiten der Kommunikation mit einem Raum sehe.

Meine künstlerische Forschung ist dem Zusammenspiel aller Komponenten gewidmet und die performativen Aspekte sind dabei sehr wichtig. Alles verändert sich ständig und dennoch betrachten wir Farbe als etwas Dauerhaftes und eine materielle Form als ewig, obwohl wir wissen, dass nichts ewig ist – auch wir selbst nicht. Ich konzentriere mich mehr auf Dynamik als auf Materialien und lerne mehr über Systeme als über Objekte. Und ich mag es einfach, diese Komplexität zu feiern.

Wo immer ich hingehe, versuche ich, Musiker zum Spielen zu finden. Klang und Licht haben viele Eigenschaften gemeinsam und obwohl wir uns in verschiedenen Sphären bewegen, können wir uns leicht verbinden. Ich lasse mich von den Qualitäten und dem Verhalten des Klangs inspirieren und suche Musiker, die an der transmedialen Zusammenarbeit interessiert sind. Je besser sie ihr Instrument und den Raum kennen, desto mehr können wir uns auf unsere Kommunikation als ästhetischen Prozess konzentrieren. Improvisation in der Musik hat eine lange Tradition. Die schöpferische Tätigkeit der In-the-Moment-Komposition erkennt sowohl die Qualitäten des Settings als auch den reaktionsschnellen Teil der Spieler an. Zusammen zu treffen und zu improvisieren ist eine gute Möglichkeit, sich gegenseitig kennen zu lernen und den Raum, in dem wir uns treffen.

Diese Begegnungen zu teilen bedeutet, den fragilen Moment zu teilen, in dem zwei Systeme beginnen zu korrespondieren. Die Offenheit und Transparenz schließt das Publikum mit ein, das eine weitere Kraft in der Performance ist. Die Anwesenheit von Menschen verändert die visuellen und akustischen Qualitäten des Raumes und ein bewegtes Publikum ist wie ein dritter Improvisator am Set. Es ist einfach eine erstaunliche Erfahrung, sich zu verbinden. Ich mag die Herausforderung der Improvisation, die uns daran erinnert, präsent zu sein.

Zusammenfassung des Interviews mit Kurt Laurenz Theinert am 3. September 2017: Bettina Pelz